...Lleno de todo lo aprendido a lo largo de estos años, de mucho sentido oscuro y melódico a la vez, de silencios perfectamente posicionados, de espacios delegados al thrash más resolutivo...



  • Genre(s):
  • Blackened | Melodic Death Metal
  • Release Date:
  • 20 / Jul / 2018
  • For Fans Of:
  • Goatwhore, Absu, Witchery,
    Dark Tranquility
  • Links:
Skeletonwitch, para muchos la fusión perfecta de black metal y thrash metal, para otros no más que otra banda de bases melódicas oscuras que ha sabido mantenerse en el menú de algunos cuantos por ese sonido tan parecido al sueco. Sea cual sea, los oriundos de Ohio, Athens definitivamente han dejado una serie de canciones dignas del headbanging internacional y de las listas de reproducción más conservadoras.

Cinco años pasaron desde que vimos un lanzamiento formal de larga duración por parte de la “bruja esqueleto”. La espera ha terminado para aquellos oídos pendientes de la banda y este mes nos regalan Devouring Radiant Light, bajo la bendición de Prosthetic Records y la producción de Kurt Ballou (guitarrista de Converge), rompiendo la pasividad comercial con un paquete de ocho pequeños bocadillos que aquí en RTMB nos hemos dedicado a devorar. Uno por uno, esto fue lo que notamos en su composición.

Iniciar con un tema extenso como lo es “Fen of Shadows” y que a su vez, éste haya sido el único track que la banda soltó en Youtube de manera oficial deja la puerta abierta a un sinfín de posibilidades. Se supo que el antes nombrado era ligeramente más portentoso de la influencia noruega que varios de sus aportes en su trabajo pasado (Serpents Unleashed, 2013), sobre todo por la magnífica labor riffera de Scott Hedrick y de N8 Feet Under y el toque de estilo familiar para el resto de los integrantes en los growls por parte de Adam Clemans (Wolvhammer). La ausencia de Dustin Boltjes no es notoria sin embargo sí que hay un cruce de sentimientos para quienes han seguido de cerca el trabajo del ahora cuarteto. Como heraldo del giro que se decidió implementar, la primera en la lista contiene muchos elementos propios del black melódico como el que nos dejó Emperor en su más tenue faceta acompañado de un regular beat thrashero en la percusión. Con cambios interesantes en su desarrollo, éste es sin duda un captor de atención con todas las características necesarias para dejar una buena impresión. “When Paradise Fades” nos trae de vuelta memorias del Beyond The Permafost, omitiendo los estridentes graves del señor Garnette. Con compases dinámicos y un solo de guitarra express, la pista mantiene el vigor del inicio para continuar expectante, al filo. Tomando en cuenta el final del corte anterior, “Temple Of The Sun” es congruente con la delicadeza con la que se procuró concluir hasta un estallido negro que deja sentir uno de los golpes más reprochables al black metal en todo el álbum. Fuera del coro, toda la extensión de los minutos en avanzada nos deleita con riffs contundentes, un bajo presencial y sonoro y variaciones en la batería que robustecen la constitución de la pieza. Un intento de proveer de ciertas mudanzas vocales, logra superficialmente maquillar la linealidad con la que los guturales se han estado dando.


La contigua homónima demuestra una cara sensible en la manera de componer y una arriesgada instauración de constituyentes altamente melódicos, lentos requinteos de acompañamiento y un tempo que me hizo recordar el más reciente trabajo de Sarke. Ni hablar de la evolución del tanto, justo al medio, que fuera de denotar agresividad y fiereza como normalmente vemos en las composiciones de Skeletonwitch, nos llueve una serie de notas y arreglos exiguos que algunos divisarán como “traición” por su ajeno acercamiento al fiel estilo de los americanos. El cambio notado, viéndolo de manera objetiva es beneficioso e incluso nos da el privilegio de conocer nuevos perfiles que no suenan nada mal. “The Luminous Sky” inyecta acometividad al disco con sonidos más consabidos, tácito al género. Debido a su estructura puedo inferir que se trata de una dedicatoria para los fans que han estado desde los inicios, aquellos que desde el 2004 siguen la pista. Lo anterior se convierte en la perfecta antesala de un monstruo llamado “The Vault”, lleno de todo lo aprendido a lo largo de estos años, de mucho sentido oscuro y melódico a la vez, de silencios perfectamente posicionados, de espacios delegados al thrash más resolutivo y de juegos con las cuerdas que nutren growls cadenciosos servidos para la mata. La canción más recia del disco, sin duda alguna. “Carnarium Eternal” se volverá el favorito de muchos por la celeridad animal con la que se planta, las líricas imponentes, los trémolos violentos y el groove que funge como puente. Me hizo despertar un plano que se codea con mis primeras interacciones con el melodic death metal, allá en el lejano 98’. Para cerrar este trabajo, “Sacred Soil” adopta las particularidades conformadas del sonido sueco con un ingrávido acoplamiento en la percusión que cuadra con los aportes de Gotemburgo.


Bárbara la manera en la que “la bruja” se ha presentado en este 2018, un regreso esperado y un giro que a mi parecer le sienta bastante bien a la agrupación. Confuso será el recibimiento por parte de los más conservadores tasando el producto entregado con lo que la perspectiva impuso como lo deseado. Esto debe verse como aquella metáfora obligada que toda banda en nuestro presente debe consignarse… “O cambias o no trasciendes”. Bien por estos señores incluidos en el Metal Swim del 2010.

8 / 10



LiveKill, del sur de Florida,son una nueva fuerza a tener en cuenta. En su próximo EP, titulado Turned to Grey (con fecha el 28 de septiembre de 2018 a través de Swol Records), la banda realiza una mezcla intensa, de alta energía de metal alternativo y estilos de hardcore con mensajes líricos profundos sobre la fragilidad de la vida misma. La potente alineación de LiveKill consta de Carlos Guerreros en la voz, Sean Young en la guitarra, John Snell en la guitarra rítmica, Anthony Laurella en la batería en vivo, y Gil Giberga en el bajo.

Con una producción de primer nivel y una paliza de clase mundial del baterista temporal Kevin Talley (Daath, Chimaira, asfixia), Turned to Grey instante golpea duro en la pista homónima, con un ranurado riff de bajo y el ataque del double bass. El coro impulsa con un precursor de headbanging, con la participación en un coro a lo 2-step.

La inspiración principal detrás del arte, el título y el concepto EP es la pérdida de vidas en Hiroshima y, más concretamente, la historia de Shinichi Tetsutani, un niño de tres años que perdió la vida en el ataque con la bomba atómica. Su padre enterró a Shinichi y su triciclo en el patio trasero, y 40 años más tarde, en 1985, desenterró su hijo junto con el triciclo, a quien había adecuadamente sepultado, y donó el triciclo al Hiroshima Peace Memorial Museum. Basando algunos conceptos del EP en esta historia no tiene por objeto poner de relieve la guerra en sí, sino más bien que cualquiera de nosotros, en un momento tan rápido, puede ser nada más que una huella dejó atrás.

El compositor y guitarrista John Snell habla acerca de la canción y el concepto EP:
Mientras navegaba por la Internet un día, me topé con imágenes de la explosión de una bomba en Hiroshima, donde la gente se vaporizó en un segundo donde se encontraban. Realmente me trasladó a darme cuenta que eran personas reales - quiénes eran, cómo vivían, y que nadie va a saber quiénes eran.

Esas imágenes inspiraron la canción, letras y obras de arte en general EP. Estaba pensando en mi propio ser y la forma en que simplemente podría desaparecer. Yo quería hacer llegar este mensaje a cabo en nuestra música, acerca de cómo este es un ejemplo físico que todos pueden relacionarse con. Que siempre deberíamos considerar nuestra propia humanidad y la rapidez con que se puede ir. Cuando vea la obra, se puede ver la verdadera historia de un niño de tres años que perdió la vida ese día.


Para este nuevo material, la banda llevó a Alastair Sim de MOTTO Sound (Rush, Three Days Grace) para mezclar y masterizar el EP, que tuvo lugar en Villa Studios en Canadá. Además, con la construcción de la intensidad, la pasión y el profesionalismo de Turned to Grey, LiveKill buscó el talento creativo de artista Eliran Kantor, reconocido por su trabajo en portadas de discos para Testament, Soulfly, y Sodom. LiveKill y Eliran trabajaron durante un período de cinco meses para completar la visión de John Snell para capturar el concepto de lo fugaz que es la vida. Snell siente que el arte de Eliran Kantor realmente capta su visión. Él explica:
Eliran hizo una investigación y fue el que encontró realmente la historia de Shinichi y su triciclo. Me envió la sugerencia y preguntó lo que pensaba. Era exactamente lo que había imaginado. Yo quería impactar al espectador con la obra de manera que cuando lo vieran, se quedara con ellos.
Snell añade sobre el resto del personal del EP:
Trabajar con Kevin Talley fue una experiencia muy positiva. Cuando me acerqué a él para hablar acerca de la grabación, respondió inmediatamente con entusiasmo por las canciones. Una vez que se completó el EP, me dirigí sobre Alastair Sims para mezclar y dominar las pistas, un profesional total para trabajar en conjunto y realmente ayudó a traer al EP a lo que es hoy.
Con la inminente liberación de Turned to Grey, LiveKill han seleccionado el talento creativo del director Alex Morgan, quien ha trabajado con bandas como Whitechapel, Gojira, y Bad Wolves, para la realización de su video musical de alta energía.

Tracklist:

1. Turned to Grey
2. In This Moment
3. Demons
4. Shadows

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Nacido en la emergente escena de metal de Calgary, AB, Red Cain es un moderno proyecto de metal melódico con raíces europeas. Con intrincadas composiciones, una sensación pesada pero melódica que recuerda a los actos progresivos y los misteriosos elementos ambientales, la banda tiene un estilo musical fluido, dinámico y único centrado en contar sagas faustianas conceptuales oscuras y construirlas en una experiencia en vivo inolvidable.

Descrito por el vocalista Evgeniy Zayarny como querer traer de vuelta el misticismo de la "música del diablo" que con demasiada frecuencia falta en los actos modernos de metal, Red Cain ofrece un estilo groove y una ventaja intrincada y letal en su música. Los oyentes bien podrían elegir elementos que recuerden actos tan geniales como Kamelot, Symphony X, Tesseract, Draconian, Marilyn Manson, convertidos en una nueva forma venenosa. La encarnación actual de la banda es todas estas influencias mezcladas con mucho vodka y melancolía de Europa del Este, sacudidas y agitadas.

Lanzando su EP homónimo en 2016, la banda regresará en 2018 con un debut de larga duración titulado Kindred, previsto para su lanzamiento posterior este año. Producido por Sascha Laskow (Every Hour Kills, ex-Divinity) con la banda de Perfect Filth Studios, los canadienses están listos para compartir con los fanáticos su próximo single y video "Zero" de su próximo trabajo.

La banda comenta sobre la nueva canción:
Para el próximo sencillo de Red Cain, "Zero", de nuestro próximo álbum Kindred, viajamos al antiguo Egipto, seco, chamuscado, viejo como el tiempo, construido sobre imperios muertos, plagado de secretos y los restos devorados de cientos de dioses. Y es uno de estos lo que te habla ahora: el dios vampiro, el dios de la muerte Osiris, y su vasija humana, el buscador de conocimiento prohibido que puede ser, en la gran quietud del desierto, finalmente igual a nada.


FFO: Kamelot, Symphony X, Alter Bridge, Tesseract.
Busca y encontrarás; crea, y serás recordado; perecer, y ser olvidado. Así va el mantra de los poderosos y la esperanza de los débiles. Así va la interminable cascada hacia Zero.



La banda de metal progresivo North of South firma un contrato internacional con Rockshots Records.

Desde León (España), North of South propone un metal mestizo de compleja clasificación que, a pesar de todo, podría ser definido como metal progresivo con influencias del jazz, el death, el pop y la música latina.

Fundado por el guitarrista Chechu “NoS”, este proyecto surge del reto de intentar amalgamar elementos, aparentemente tan dispares, como la pegada melódica de At The Gates, los sones hispanos de Carlos Santana, la profundidad compositiva de Opeth, el pop con sustrato de The Police, la carga emotiva de Anathema y la intención camaleónica de Kate Bush.


Del mismo modo, la heterogénea influencia literaria de autores como Jorge Luis Borges, Orson Scott Card y William Shakespeare aflora en las canciones de New Latitudes, que, conceptualmente, gravita en torno a cuestiones como la grandeza de la condición humana y sus límites frente al universo, nuestras propias contradicciones personales y los misterios del tiempo.

El álbum fue grabado en los estudios de Zoilo Unreal (Marín, Pontevedra), consolidado nombre en la escena del metal extremo español con presencia en bandas como Unreal Overflows, The Anthagonist y Unhuman Nature, y su lanzamiento mundial está previsto para este próximo 28 de septiembre.

Tracklist:

1. The Human Equation
2. Nobody Knows
3. Balanced Paradox
4. Before We Die
5. Crystal Waters
6. There’s No Glamour In Death
7. Time Will Tell
8. Faith Is Not Hope
9. Montreux

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Siempre es un gusto para mi el poder ofrecer un contenido diferente al habitual, me resulta un ejercicio sano y bastante reconfortante, dado que la monotonía suele ser un fuerte obstáculo a superar. Es por eso que la invitación a que conozcan música distinta es parte esencial de lo que quiero conseguir como creador de contenido. No soy el mayor experto en el tema, pero eso no quita que alguno de estos álbumes les pueda llamar la atención por cualquier motivo que ustedes los lectores encuentren, y por supuesto la idea central es que logren adentrarse en cosas que normalmente no están en su radar. Sin más preámbulos, aquí la segunda parte de esta sección.

Kaidi Tatham – It's A World Before You
El nuevo proyecto de este músico británico conocido por sus diferentes colaboraciones a lo largo de los años con artistas de la talla de Amy Winehouse, es uno de los materiales de jazz más divertidos con los que me he topado en este año. Esto se debe a la gran paleta de influencias que contiene su música, mostrándonos terrenos tales como el afro beat, en canciones como "Joyous" o esos samples de hip-hop incluidos en "Bien", hasta incluso llegar pisar las playas del caribe en temas como "Outta Audah". Estos son sólo algunos ejemplos de la gran cantidad de guiños musicales que nos ofrece este material, el hilo conductor sen encuentra en esa pasión por la composición orgánica y fluida del jazz, manteniendo esos ejercicios de ejecución siempre en lo alto de sus capacidades, dando como resultado un disco que te ayuda a pasar un rato bastante agradable.




Kamaal Williams – The Return
Kamaal Williams es uno de esos románticos absolutos por mantener viva la llama original del jazz. En esta nueva obra presenta una faceta diversificada y mucho más consolidada que he en trabajos anteriores. Las texturas con las que se permite jugar siempre están marcadas por esos grooves maquiavélicos, que son adornados por diferentes matices, tales como arreglos electrónicos, o de cuerda, como en el caso de unos de mis temas favoritos, "High Rolle". Pero no sólo de melodías vivimos, y es que se atreven a esparcirse en compases de forma deliciosa, haciendo transiciones rápidas y directas, tales como el arranque de "Catch The Loop", para después aterrizarnos sobre tonalidades tenues y sensuales como las de "Medina", dando así una demostración de las distintas facetas que pueden promulgar en este músico y sus acompañantes. Si te gustan las grandes ejecuciones, los discos introspectivos, o la música, esto es algo que vale la pena escuchar.




The 8-Bit Big Band - Press Start!
Son muchos los proyectos que han surgido a lo largo de los años comunicando ese amor a la generación de los 8 bits. Y es que la nostalgia siempre será un recurso muy emotivo y poderoso a la hora de conseguir la aprobación del público, pero me alegra que este ensamble no haya optado solamente por el recurso fácil. Nos encontramos ante versiones estupendas de temas legendarios de aquellas bandas sonoras formidables y carismáticas de los videojuegos de los años ochenta. Cada una de las canciones tiene algo que ofrecer musicalmente, regalándonos un recorrido maravilloso por los subgéneros del jazz, cada uno con un cariño y especial cuidado, pero sin duda para mí el pináculo de este proyecto lo alcanzaron con ese latin jazz adornado con el tema central de Super Mario Bro’s. Una delicia de principio a fin, que resume a la perfección lo que querían alcanzar. Sin duda alguna, esto es algo que hay que recomendar.




SWARVY – Anti​-​Anxiety
En el primer especial que hice no pude incluir algún proyecto que combinara el hip-hop con el jazz, esto debido a que encontrar proyectos que gusten de ambos mundos no es tan común cómo parece. El productor y beatmaker SWARVY construye samples apoyados sobre esas dinámicas rítmicas propias de estilos como el cool jazz, y las junta con arreglos que van desde acordes de funk o soul, hasta sonidos electrónicos, esto logra generar una potencia armónica y una identidad propia de autor, y cuando el flow de los distintos raperos que participan en las piezas arriban, el puzzle se completa y caemos ante unos de los discos más deliciosos que he escuchado en el transcurso del año. Denle una oportunidad, no se arrepentirán.




Idris Ackamoor and the Pyramids – An Angel Fell
El sabor y la pasión llega a esta lista gracias al ensamble californiano liderado por el sensual saxofón tenor de Idris Ackamoor. Su principal arma es la atmósfera, con la cual logran articular de forma bastante interesante sus diferentes mensajes sociales, todos evidentemente apoyados en un grupo de timbres sonoros que rinden tributo a sus raíces más lejanas. Estos sin embargo se encuentran bastante ligados a la base rítmica, pero hay un elemento muy particular que por su uso y sonido se hace extraño en esta amalgama, y es el violín. Su uso es una herramienta que valida esa añoranza por el folclor, y el respeto hacia la música americana. Una obra espiritual, cósmica y mágica. Propia de personas convencidas de su cariño hacia este medio.




Kamasi Washington - Heaven And Earth
Creo que no hace falta agregar algo más a todos los análisis que existen en la red sobre Kamasi Washington, hay canales de información más apropiados para hablar con mayor profundidad sobre lo que hace tan grandioso a este músico. Solo quiero decir que me alegra muchísimo que una figura de este estilo musical este siendo apreciada por un gran público, y que además él este logrando romper con los estigmas y miedos que muchos tienen con este universo sonoro. Sin duda alguna con Heaven And Earth sigue en la cima de su creatividad, y su espacio como representante contemporáneo del jazz, sigue siendo completamente suyo. Si por alguna razón aún no has surcado las costas estelares de este fabuloso artista, no dudes en hacerlo.




Binker And Moses - Alive In The East?
La dosis de improvisación y libertad creativa viene de la mano de este dúo de talentosos. A pesar de sus limitaciones tímbricas, logran siempre dejarnos a la expectativa de sus ocurrencias sonoras. La dinámica es el elemento en el que sostienen todo su arsenal, atacándonos con su sordidez desmedida, sus ejecuciones infernales y sus lapidarios grooves, nos motivan a seguir a la expectativa. Enteramente grabado de una presentación en vivo, la producción logra captar toda la espontaneidad y magia que contiene este conjunto, que nunca deja cabos sueltos y nos alimenta a la perfección con notas sorpresivas y delirantes. Un material que sirve como una puerta de entrada a aquellos que quieran conocer más a fondo los estilos más caóticos del jazz.





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